在技术爆炸的时代,创作者怎样才能更加诚实、准确地描述世界?作为受众,又该如何摆脱束缚,去重新理解“观看”的边界?


《散步模拟》作品截图,作者:曹澍

朱振

【OR  商业新媒体】

克服了停摆与延期,影像上海艺术博览会2021(PHOTOFAIRS Shanghai)终于回归。

历经疫情围困、变局丛生的一年,一同归来的画廊、机构以及艺术家们,不仅带来了数目繁多的作品,同时也分享了关于影像艺术创作与实践的种种新观念和新探索。

影像作为一种理解和探索世界的方法,其本质始终离不开如何诠释“真实”。而外部环境的持续变迁,以及新兴科技和先锋概念的不断涌现,正在让“真实”的内涵与外延被频繁刷新,与此同时,表达与观看的准则也在相继被改变。

对于创作者而言,如何以技术为载体,传递新的观察与思考?什么样的媒介语言,才能更诚实、准确地描述我们与周围世界的关系?在今天这个“像素爆炸”的时代,影像创作除了在朋友圈里发布照片,还有哪些新的维度?作为受众,又该如何摆脱主观的束缚,去重新理解“观看”的边界?展望未来,影像创作的潮流趋势又是什么样子的?

带着这些问题,在博览会期间,我们与三位创作者和策展人进行了交流。他们带来的作品源自不同的灵感、聚焦不同的母题,并运用了风格各异的技术方法,我们希望通过问答,听听他们对关于“拍摄”与“观看”的前沿性思考。

《洞见》版块策展人何伊宁

作为此次博览会推出的公共项目之一,《洞见》(Insights)版块以“图汇未来”为主题,收集了来自全球12位艺术家的影像作品。这些作品围绕与人类前途紧密相关的议题,展现出一系列关于未来的图景。

按照策展人何伊宁的话说,这些作品一方面旨在思考技术、数据与摄影的互动关系,另一方面希望提醒人们,在畅想未来时,需要谨慎对待图像带来的陷阱。

《洞见》版块的不少作品,都是利用数字技术通过描述一个虚拟场景或者未来世界,来反映现实中的问题。这种基于“超现实”的创作和传统摄影基于“实在”的创作,哪个才更代表影像艺术的发展趋势?

何伊宁:这个问题要放在不同的语境中看。当我们回看历史,我们仍然会觉得那些富有历史感的老照片非常有意义。影像博览会作为一个平台,会去做一些关于未来的探索,而画廊也会去做画廊该做的事情。

而且很难说,这些“超越性”的影像作品能够留存多长时间,未来的人们是否仍然会愿意去反复观看它们,这是一个考验。这些作品的重要性在于在它们在当下对未来的反思。

当越来越多的数字和媒介技术被应用于影像创作,最终作品所呈现出来的,究竟是越来越真实的世界?还是相反?

何伊宁:我觉得(作品)背后的逻辑是越来越真实的。以前很多东西是没有办法被拍出来的。如果你想找一个纪实摄影师去拍摄一个“算法”,他可能需要去拍摄海量的、复杂的图像才能展示,而现在用一个短短几分钟的视频,就能把艺术家想说的、想解释逻辑完整地表达出来。技术图像已经不是在揭示“视觉的”真实,而是在揭示世界的真实,展现世界的某些逻辑,这是一种突破。

这是不是意味着影像创作会出现一个分野:一方面拍照成了全民普及的行为,而另一方面,艺术家则开始向更专业、更深奥的领域去探索?

何伊宁:在这里展出的艺术创作者,大多都是科班出身的。他们在不断探索摄影的边界,这个创作是有技术门槛的,不是喜欢拍照就能做到的。

我并不是在输出压力,但摄影的分层化会越来越明显。今天的艺术家是在真正思考一些问题,并不是在做一些所谓“炫”的东西。

在您和艺术家的交流中,当他们把新技术应用在创作中时,您感觉他们对于未来的态度是乐观更多,还是悲观更多?

何伊宁:我觉得还是反思更多。很多作品都体现出了批判性,不光是对未来的,也有对当下一些问题的反应。

新媒体与影像装置艺术家、《格物》系列作者胡介鸣

同样作为博览会的公共项目,《焦点》版块将目光锁定于胡介鸣的作品《格物》系列。这次创作起源于在疫情让生活停摆、人人足不出户的日子里,艺术家对自家家居景物的观察与拍摄,并通过图像处理软件,对所记录的图像进行平面化和色彩纯化的处理,最终得出一组符号感鲜明的摄影作品。

《格物》系列的简介中提到,这是一次以“低技术”为特质的创作。但是在观看之后,感觉作品里仍然被加入了不少技术的元素。

胡介鸣:说没有技术,其实也有一点。因为疫情的原因,我很长时间都宅在家里,很多以往的技术都用不了了。我对着家里的景物不断观看,然后产生来了灵感。发现家里的很多物品、角落都变得很有意思,就对着它们拍。这是一种我从来没有尝试过的方式,一种反计划、反预设的方式。我并没有提前想好创作方案,就是随机看到了某个物品,或者某个时间的光线,就去拍了。用一种随遇而安的做法。

拍完之后就是第二步,对颜色做处理,这一步又把以前所掌握的一些技术给用上去了。所以这部分也不能说是无技术,但用的技术也不是特别复杂。

经过技术加工后的作品,与把原生的拍照结果放在那里,二者有什么不同?

胡介鸣:拍摄照片的时候,尽管你在拍摄过程中会有所考虑,但是那个范围还是比较窄的,观看者还是会被图片中的场景所左右,想象的空间就变少了。经过技术处理的图片,在处理过程中,就把很多想象加进去了,比如像中国画里的留白,画面就放飞了,想象的空间就出来了。

“超越现实”的摄影和“写实”的摄影之间,哪个更代表影像创作的未来趋势?

胡介鸣:如果从定义上来说,呈现具体的东西会更像一张“照片”。从发展上看,抽象的技术所带来的可能性会更大。

但两种方式是共存的,关键还是看作品的质量如何。写实也有写实的质量。一些新技术的表达,虽然有想象空间,但要是做的不好,也会变得空洞。

“超越性”的观看所呈现的是更真实的世界吗?

胡介鸣:我希望它是将“真实”递增到一个新的维度上去。至少我现在的作品是介乎于具象和抽象之间的。具象会带来一定的辨识度,在你想入非非的同时提供一个定位,并不会让想象漫无边际。

《曝光奖》得主、《散步模拟》的作者曹澍。

本届博览会所设立的《曝光奖》,致力于鼓励艺术家在观念、技术和方法等层面展开革新。此次获奖的艺术家曹澍的《散步模拟》是一个以电子游戏为媒介的作品:在一个渲染成的荒漠空间中,观众利用一个“拍照”按钮,寻找艺术家的家庭相册。对于这个作品的内涵,作者的解释是,试图探讨人类能否借助技术,“经由地理/空间的方式去理解历史/时间。”

《散步模拟》的灵感是怎么产生的?

曹澍:前几年做了不少3D影像试验,都是和记忆有关的。很多场景的模型已经做完了,然后突然有一天觉得可以用“游戏”语言来表达一下。

我觉得有些感受只有通过游戏才能表达出来。比如在一个沙盘式的空间里完成一些不同时间的定置。文字或者纪录片通常只能按照单一的时间线去讲述,而游戏的方式会更灵活、更自由。

《散步模拟》这个作品需要和观看者们进行互动。产生什么样的互动效果,是您的创作预期之一么?

曹澍:没有太考虑互动这方面,我主要是对游戏这种媒介机制和逻辑很感兴趣。比如置身于这种单一的、第一人称的视角环境中,去寻找、去迷路,这就是我追求的感受。

《散步模拟》所拍摄的对象已经不是一个现实空间,而是一个您创造出来的虚拟空间。这种“超现实”的体验,是为了让观看的感受更真实,还是更不真实?

曹澍:记忆会出错,但是纪录片则会更加如实地把现实记录下来,当然也和拍摄者的观点、所采取的视角或者剪辑有关系,但是有些事情一旦被拍摄下来,就成了一种“证据”。

我觉得我的作品并不是在描述“真实”,而是描述一些和记忆、感受有关的东西。这种体验更接近于那种永恒意义上的真实,是一种对于“真实”本身的体验。

在您的创作中,还存在技术层面的限制么?

曹澍:对技术的选择并不是说要更新或者更怎么样,我还是更关心技术是不是符合我正在关注的问题,或者说我所思考的问题是否和某种技术语言吻合。

在《散步模拟》中,您的问题是“用空间去理解时间”。

曹澍:在我过去的一些创作过程中,更多是先想到一些情节,然后再用蒙太奇等技术手段描述出来。而在游戏里,则完全是一种相反的方式,你先是描述了一个完整的世界本身--一个所有细节都存在的世界,然后把自己作为一个镜头丢在里面。比如玩《魂斗罗》游戏,你不会去想长镜头的问题,因为游戏本身就是一种长镜头,更接近于不剪辑的生活。我们现在所处的这个世界,就是一个连续性的镜头。我现在就是对游戏这种语言很感兴趣。


《散步模拟》作品截图,作者:曹澍

如果掌握了能让游戏图像更逼真的技术,您会让您塑造的世界看上去更写实吗?

曹澍:那不太会。因为那样的话视角就更单一化了。现在的游戏做的越来越写实,写实就会让大家都趋同化。但是如果回忆在游戏刚诞生的时候,对于一棵树的表达方式,每一家公司、每一个制作人都是不一样的。有的人用几根线来表达一棵树,有的则是用几个色块,每种树都是不同的表达方式,这种表达是很酷的。■


(注:本文仅代表作者个人观点。责编邮箱    info@or123.net)



  相关文章

分享到:

和影像上海艺博会的艺术家聊聊“拍照”的未来

发布日期:2021-11-06 07:16
在技术爆炸的时代,创作者怎样才能更加诚实、准确地描述世界?作为受众,又该如何摆脱束缚,去重新理解“观看”的边界?


《散步模拟》作品截图,作者:曹澍

朱振

【OR  商业新媒体】

克服了停摆与延期,影像上海艺术博览会2021(PHOTOFAIRS Shanghai)终于回归。

历经疫情围困、变局丛生的一年,一同归来的画廊、机构以及艺术家们,不仅带来了数目繁多的作品,同时也分享了关于影像艺术创作与实践的种种新观念和新探索。

影像作为一种理解和探索世界的方法,其本质始终离不开如何诠释“真实”。而外部环境的持续变迁,以及新兴科技和先锋概念的不断涌现,正在让“真实”的内涵与外延被频繁刷新,与此同时,表达与观看的准则也在相继被改变。

对于创作者而言,如何以技术为载体,传递新的观察与思考?什么样的媒介语言,才能更诚实、准确地描述我们与周围世界的关系?在今天这个“像素爆炸”的时代,影像创作除了在朋友圈里发布照片,还有哪些新的维度?作为受众,又该如何摆脱主观的束缚,去重新理解“观看”的边界?展望未来,影像创作的潮流趋势又是什么样子的?

带着这些问题,在博览会期间,我们与三位创作者和策展人进行了交流。他们带来的作品源自不同的灵感、聚焦不同的母题,并运用了风格各异的技术方法,我们希望通过问答,听听他们对关于“拍摄”与“观看”的前沿性思考。

《洞见》版块策展人何伊宁

作为此次博览会推出的公共项目之一,《洞见》(Insights)版块以“图汇未来”为主题,收集了来自全球12位艺术家的影像作品。这些作品围绕与人类前途紧密相关的议题,展现出一系列关于未来的图景。

按照策展人何伊宁的话说,这些作品一方面旨在思考技术、数据与摄影的互动关系,另一方面希望提醒人们,在畅想未来时,需要谨慎对待图像带来的陷阱。

《洞见》版块的不少作品,都是利用数字技术通过描述一个虚拟场景或者未来世界,来反映现实中的问题。这种基于“超现实”的创作和传统摄影基于“实在”的创作,哪个才更代表影像艺术的发展趋势?

何伊宁:这个问题要放在不同的语境中看。当我们回看历史,我们仍然会觉得那些富有历史感的老照片非常有意义。影像博览会作为一个平台,会去做一些关于未来的探索,而画廊也会去做画廊该做的事情。

而且很难说,这些“超越性”的影像作品能够留存多长时间,未来的人们是否仍然会愿意去反复观看它们,这是一个考验。这些作品的重要性在于在它们在当下对未来的反思。

当越来越多的数字和媒介技术被应用于影像创作,最终作品所呈现出来的,究竟是越来越真实的世界?还是相反?

何伊宁:我觉得(作品)背后的逻辑是越来越真实的。以前很多东西是没有办法被拍出来的。如果你想找一个纪实摄影师去拍摄一个“算法”,他可能需要去拍摄海量的、复杂的图像才能展示,而现在用一个短短几分钟的视频,就能把艺术家想说的、想解释逻辑完整地表达出来。技术图像已经不是在揭示“视觉的”真实,而是在揭示世界的真实,展现世界的某些逻辑,这是一种突破。

这是不是意味着影像创作会出现一个分野:一方面拍照成了全民普及的行为,而另一方面,艺术家则开始向更专业、更深奥的领域去探索?

何伊宁:在这里展出的艺术创作者,大多都是科班出身的。他们在不断探索摄影的边界,这个创作是有技术门槛的,不是喜欢拍照就能做到的。

我并不是在输出压力,但摄影的分层化会越来越明显。今天的艺术家是在真正思考一些问题,并不是在做一些所谓“炫”的东西。

在您和艺术家的交流中,当他们把新技术应用在创作中时,您感觉他们对于未来的态度是乐观更多,还是悲观更多?

何伊宁:我觉得还是反思更多。很多作品都体现出了批判性,不光是对未来的,也有对当下一些问题的反应。

新媒体与影像装置艺术家、《格物》系列作者胡介鸣

同样作为博览会的公共项目,《焦点》版块将目光锁定于胡介鸣的作品《格物》系列。这次创作起源于在疫情让生活停摆、人人足不出户的日子里,艺术家对自家家居景物的观察与拍摄,并通过图像处理软件,对所记录的图像进行平面化和色彩纯化的处理,最终得出一组符号感鲜明的摄影作品。

《格物》系列的简介中提到,这是一次以“低技术”为特质的创作。但是在观看之后,感觉作品里仍然被加入了不少技术的元素。

胡介鸣:说没有技术,其实也有一点。因为疫情的原因,我很长时间都宅在家里,很多以往的技术都用不了了。我对着家里的景物不断观看,然后产生来了灵感。发现家里的很多物品、角落都变得很有意思,就对着它们拍。这是一种我从来没有尝试过的方式,一种反计划、反预设的方式。我并没有提前想好创作方案,就是随机看到了某个物品,或者某个时间的光线,就去拍了。用一种随遇而安的做法。

拍完之后就是第二步,对颜色做处理,这一步又把以前所掌握的一些技术给用上去了。所以这部分也不能说是无技术,但用的技术也不是特别复杂。

经过技术加工后的作品,与把原生的拍照结果放在那里,二者有什么不同?

胡介鸣:拍摄照片的时候,尽管你在拍摄过程中会有所考虑,但是那个范围还是比较窄的,观看者还是会被图片中的场景所左右,想象的空间就变少了。经过技术处理的图片,在处理过程中,就把很多想象加进去了,比如像中国画里的留白,画面就放飞了,想象的空间就出来了。

“超越现实”的摄影和“写实”的摄影之间,哪个更代表影像创作的未来趋势?

胡介鸣:如果从定义上来说,呈现具体的东西会更像一张“照片”。从发展上看,抽象的技术所带来的可能性会更大。

但两种方式是共存的,关键还是看作品的质量如何。写实也有写实的质量。一些新技术的表达,虽然有想象空间,但要是做的不好,也会变得空洞。

“超越性”的观看所呈现的是更真实的世界吗?

胡介鸣:我希望它是将“真实”递增到一个新的维度上去。至少我现在的作品是介乎于具象和抽象之间的。具象会带来一定的辨识度,在你想入非非的同时提供一个定位,并不会让想象漫无边际。

《曝光奖》得主、《散步模拟》的作者曹澍。

本届博览会所设立的《曝光奖》,致力于鼓励艺术家在观念、技术和方法等层面展开革新。此次获奖的艺术家曹澍的《散步模拟》是一个以电子游戏为媒介的作品:在一个渲染成的荒漠空间中,观众利用一个“拍照”按钮,寻找艺术家的家庭相册。对于这个作品的内涵,作者的解释是,试图探讨人类能否借助技术,“经由地理/空间的方式去理解历史/时间。”

《散步模拟》的灵感是怎么产生的?

曹澍:前几年做了不少3D影像试验,都是和记忆有关的。很多场景的模型已经做完了,然后突然有一天觉得可以用“游戏”语言来表达一下。

我觉得有些感受只有通过游戏才能表达出来。比如在一个沙盘式的空间里完成一些不同时间的定置。文字或者纪录片通常只能按照单一的时间线去讲述,而游戏的方式会更灵活、更自由。

《散步模拟》这个作品需要和观看者们进行互动。产生什么样的互动效果,是您的创作预期之一么?

曹澍:没有太考虑互动这方面,我主要是对游戏这种媒介机制和逻辑很感兴趣。比如置身于这种单一的、第一人称的视角环境中,去寻找、去迷路,这就是我追求的感受。

《散步模拟》所拍摄的对象已经不是一个现实空间,而是一个您创造出来的虚拟空间。这种“超现实”的体验,是为了让观看的感受更真实,还是更不真实?

曹澍:记忆会出错,但是纪录片则会更加如实地把现实记录下来,当然也和拍摄者的观点、所采取的视角或者剪辑有关系,但是有些事情一旦被拍摄下来,就成了一种“证据”。

我觉得我的作品并不是在描述“真实”,而是描述一些和记忆、感受有关的东西。这种体验更接近于那种永恒意义上的真实,是一种对于“真实”本身的体验。

在您的创作中,还存在技术层面的限制么?

曹澍:对技术的选择并不是说要更新或者更怎么样,我还是更关心技术是不是符合我正在关注的问题,或者说我所思考的问题是否和某种技术语言吻合。

在《散步模拟》中,您的问题是“用空间去理解时间”。

曹澍:在我过去的一些创作过程中,更多是先想到一些情节,然后再用蒙太奇等技术手段描述出来。而在游戏里,则完全是一种相反的方式,你先是描述了一个完整的世界本身--一个所有细节都存在的世界,然后把自己作为一个镜头丢在里面。比如玩《魂斗罗》游戏,你不会去想长镜头的问题,因为游戏本身就是一种长镜头,更接近于不剪辑的生活。我们现在所处的这个世界,就是一个连续性的镜头。我现在就是对游戏这种语言很感兴趣。


《散步模拟》作品截图,作者:曹澍

如果掌握了能让游戏图像更逼真的技术,您会让您塑造的世界看上去更写实吗?

曹澍:那不太会。因为那样的话视角就更单一化了。现在的游戏做的越来越写实,写实就会让大家都趋同化。但是如果回忆在游戏刚诞生的时候,对于一棵树的表达方式,每一家公司、每一个制作人都是不一样的。有的人用几根线来表达一棵树,有的则是用几个色块,每种树都是不同的表达方式,这种表达是很酷的。■


(注:本文仅代表作者个人观点。责编邮箱    info@or123.net)



  相关文章
在技术爆炸的时代,创作者怎样才能更加诚实、准确地描述世界?作为受众,又该如何摆脱束缚,去重新理解“观看”的边界?


《散步模拟》作品截图,作者:曹澍

朱振

【OR  商业新媒体】

克服了停摆与延期,影像上海艺术博览会2021(PHOTOFAIRS Shanghai)终于回归。

历经疫情围困、变局丛生的一年,一同归来的画廊、机构以及艺术家们,不仅带来了数目繁多的作品,同时也分享了关于影像艺术创作与实践的种种新观念和新探索。

影像作为一种理解和探索世界的方法,其本质始终离不开如何诠释“真实”。而外部环境的持续变迁,以及新兴科技和先锋概念的不断涌现,正在让“真实”的内涵与外延被频繁刷新,与此同时,表达与观看的准则也在相继被改变。

对于创作者而言,如何以技术为载体,传递新的观察与思考?什么样的媒介语言,才能更诚实、准确地描述我们与周围世界的关系?在今天这个“像素爆炸”的时代,影像创作除了在朋友圈里发布照片,还有哪些新的维度?作为受众,又该如何摆脱主观的束缚,去重新理解“观看”的边界?展望未来,影像创作的潮流趋势又是什么样子的?

带着这些问题,在博览会期间,我们与三位创作者和策展人进行了交流。他们带来的作品源自不同的灵感、聚焦不同的母题,并运用了风格各异的技术方法,我们希望通过问答,听听他们对关于“拍摄”与“观看”的前沿性思考。

《洞见》版块策展人何伊宁

作为此次博览会推出的公共项目之一,《洞见》(Insights)版块以“图汇未来”为主题,收集了来自全球12位艺术家的影像作品。这些作品围绕与人类前途紧密相关的议题,展现出一系列关于未来的图景。

按照策展人何伊宁的话说,这些作品一方面旨在思考技术、数据与摄影的互动关系,另一方面希望提醒人们,在畅想未来时,需要谨慎对待图像带来的陷阱。

《洞见》版块的不少作品,都是利用数字技术通过描述一个虚拟场景或者未来世界,来反映现实中的问题。这种基于“超现实”的创作和传统摄影基于“实在”的创作,哪个才更代表影像艺术的发展趋势?

何伊宁:这个问题要放在不同的语境中看。当我们回看历史,我们仍然会觉得那些富有历史感的老照片非常有意义。影像博览会作为一个平台,会去做一些关于未来的探索,而画廊也会去做画廊该做的事情。

而且很难说,这些“超越性”的影像作品能够留存多长时间,未来的人们是否仍然会愿意去反复观看它们,这是一个考验。这些作品的重要性在于在它们在当下对未来的反思。

当越来越多的数字和媒介技术被应用于影像创作,最终作品所呈现出来的,究竟是越来越真实的世界?还是相反?

何伊宁:我觉得(作品)背后的逻辑是越来越真实的。以前很多东西是没有办法被拍出来的。如果你想找一个纪实摄影师去拍摄一个“算法”,他可能需要去拍摄海量的、复杂的图像才能展示,而现在用一个短短几分钟的视频,就能把艺术家想说的、想解释逻辑完整地表达出来。技术图像已经不是在揭示“视觉的”真实,而是在揭示世界的真实,展现世界的某些逻辑,这是一种突破。

这是不是意味着影像创作会出现一个分野:一方面拍照成了全民普及的行为,而另一方面,艺术家则开始向更专业、更深奥的领域去探索?

何伊宁:在这里展出的艺术创作者,大多都是科班出身的。他们在不断探索摄影的边界,这个创作是有技术门槛的,不是喜欢拍照就能做到的。

我并不是在输出压力,但摄影的分层化会越来越明显。今天的艺术家是在真正思考一些问题,并不是在做一些所谓“炫”的东西。

在您和艺术家的交流中,当他们把新技术应用在创作中时,您感觉他们对于未来的态度是乐观更多,还是悲观更多?

何伊宁:我觉得还是反思更多。很多作品都体现出了批判性,不光是对未来的,也有对当下一些问题的反应。

新媒体与影像装置艺术家、《格物》系列作者胡介鸣

同样作为博览会的公共项目,《焦点》版块将目光锁定于胡介鸣的作品《格物》系列。这次创作起源于在疫情让生活停摆、人人足不出户的日子里,艺术家对自家家居景物的观察与拍摄,并通过图像处理软件,对所记录的图像进行平面化和色彩纯化的处理,最终得出一组符号感鲜明的摄影作品。

《格物》系列的简介中提到,这是一次以“低技术”为特质的创作。但是在观看之后,感觉作品里仍然被加入了不少技术的元素。

胡介鸣:说没有技术,其实也有一点。因为疫情的原因,我很长时间都宅在家里,很多以往的技术都用不了了。我对着家里的景物不断观看,然后产生来了灵感。发现家里的很多物品、角落都变得很有意思,就对着它们拍。这是一种我从来没有尝试过的方式,一种反计划、反预设的方式。我并没有提前想好创作方案,就是随机看到了某个物品,或者某个时间的光线,就去拍了。用一种随遇而安的做法。

拍完之后就是第二步,对颜色做处理,这一步又把以前所掌握的一些技术给用上去了。所以这部分也不能说是无技术,但用的技术也不是特别复杂。

经过技术加工后的作品,与把原生的拍照结果放在那里,二者有什么不同?

胡介鸣:拍摄照片的时候,尽管你在拍摄过程中会有所考虑,但是那个范围还是比较窄的,观看者还是会被图片中的场景所左右,想象的空间就变少了。经过技术处理的图片,在处理过程中,就把很多想象加进去了,比如像中国画里的留白,画面就放飞了,想象的空间就出来了。

“超越现实”的摄影和“写实”的摄影之间,哪个更代表影像创作的未来趋势?

胡介鸣:如果从定义上来说,呈现具体的东西会更像一张“照片”。从发展上看,抽象的技术所带来的可能性会更大。

但两种方式是共存的,关键还是看作品的质量如何。写实也有写实的质量。一些新技术的表达,虽然有想象空间,但要是做的不好,也会变得空洞。

“超越性”的观看所呈现的是更真实的世界吗?

胡介鸣:我希望它是将“真实”递增到一个新的维度上去。至少我现在的作品是介乎于具象和抽象之间的。具象会带来一定的辨识度,在你想入非非的同时提供一个定位,并不会让想象漫无边际。

《曝光奖》得主、《散步模拟》的作者曹澍。

本届博览会所设立的《曝光奖》,致力于鼓励艺术家在观念、技术和方法等层面展开革新。此次获奖的艺术家曹澍的《散步模拟》是一个以电子游戏为媒介的作品:在一个渲染成的荒漠空间中,观众利用一个“拍照”按钮,寻找艺术家的家庭相册。对于这个作品的内涵,作者的解释是,试图探讨人类能否借助技术,“经由地理/空间的方式去理解历史/时间。”

《散步模拟》的灵感是怎么产生的?

曹澍:前几年做了不少3D影像试验,都是和记忆有关的。很多场景的模型已经做完了,然后突然有一天觉得可以用“游戏”语言来表达一下。

我觉得有些感受只有通过游戏才能表达出来。比如在一个沙盘式的空间里完成一些不同时间的定置。文字或者纪录片通常只能按照单一的时间线去讲述,而游戏的方式会更灵活、更自由。

《散步模拟》这个作品需要和观看者们进行互动。产生什么样的互动效果,是您的创作预期之一么?

曹澍:没有太考虑互动这方面,我主要是对游戏这种媒介机制和逻辑很感兴趣。比如置身于这种单一的、第一人称的视角环境中,去寻找、去迷路,这就是我追求的感受。

《散步模拟》所拍摄的对象已经不是一个现实空间,而是一个您创造出来的虚拟空间。这种“超现实”的体验,是为了让观看的感受更真实,还是更不真实?

曹澍:记忆会出错,但是纪录片则会更加如实地把现实记录下来,当然也和拍摄者的观点、所采取的视角或者剪辑有关系,但是有些事情一旦被拍摄下来,就成了一种“证据”。

我觉得我的作品并不是在描述“真实”,而是描述一些和记忆、感受有关的东西。这种体验更接近于那种永恒意义上的真实,是一种对于“真实”本身的体验。

在您的创作中,还存在技术层面的限制么?

曹澍:对技术的选择并不是说要更新或者更怎么样,我还是更关心技术是不是符合我正在关注的问题,或者说我所思考的问题是否和某种技术语言吻合。

在《散步模拟》中,您的问题是“用空间去理解时间”。

曹澍:在我过去的一些创作过程中,更多是先想到一些情节,然后再用蒙太奇等技术手段描述出来。而在游戏里,则完全是一种相反的方式,你先是描述了一个完整的世界本身--一个所有细节都存在的世界,然后把自己作为一个镜头丢在里面。比如玩《魂斗罗》游戏,你不会去想长镜头的问题,因为游戏本身就是一种长镜头,更接近于不剪辑的生活。我们现在所处的这个世界,就是一个连续性的镜头。我现在就是对游戏这种语言很感兴趣。


《散步模拟》作品截图,作者:曹澍

如果掌握了能让游戏图像更逼真的技术,您会让您塑造的世界看上去更写实吗?

曹澍:那不太会。因为那样的话视角就更单一化了。现在的游戏做的越来越写实,写实就会让大家都趋同化。但是如果回忆在游戏刚诞生的时候,对于一棵树的表达方式,每一家公司、每一个制作人都是不一样的。有的人用几根线来表达一棵树,有的则是用几个色块,每种树都是不同的表达方式,这种表达是很酷的。■


(注:本文仅代表作者个人观点。责编邮箱    info@or123.net)



  相关文章
读者评论
OR
+

您可能感兴趣的资讯
OR
+
最新资讯
OR
+
广告
OR
MORE +

关闭
特别推荐
OR
+
最新资讯
MORE +

和影像上海艺博会的艺术家聊聊“拍照”的未来

发布日期:2021-11-06 07:16
在技术爆炸的时代,创作者怎样才能更加诚实、准确地描述世界?作为受众,又该如何摆脱束缚,去重新理解“观看”的边界?


《散步模拟》作品截图,作者:曹澍

朱振

【OR  商业新媒体】

克服了停摆与延期,影像上海艺术博览会2021(PHOTOFAIRS Shanghai)终于回归。

历经疫情围困、变局丛生的一年,一同归来的画廊、机构以及艺术家们,不仅带来了数目繁多的作品,同时也分享了关于影像艺术创作与实践的种种新观念和新探索。

影像作为一种理解和探索世界的方法,其本质始终离不开如何诠释“真实”。而外部环境的持续变迁,以及新兴科技和先锋概念的不断涌现,正在让“真实”的内涵与外延被频繁刷新,与此同时,表达与观看的准则也在相继被改变。

对于创作者而言,如何以技术为载体,传递新的观察与思考?什么样的媒介语言,才能更诚实、准确地描述我们与周围世界的关系?在今天这个“像素爆炸”的时代,影像创作除了在朋友圈里发布照片,还有哪些新的维度?作为受众,又该如何摆脱主观的束缚,去重新理解“观看”的边界?展望未来,影像创作的潮流趋势又是什么样子的?

带着这些问题,在博览会期间,我们与三位创作者和策展人进行了交流。他们带来的作品源自不同的灵感、聚焦不同的母题,并运用了风格各异的技术方法,我们希望通过问答,听听他们对关于“拍摄”与“观看”的前沿性思考。

《洞见》版块策展人何伊宁

作为此次博览会推出的公共项目之一,《洞见》(Insights)版块以“图汇未来”为主题,收集了来自全球12位艺术家的影像作品。这些作品围绕与人类前途紧密相关的议题,展现出一系列关于未来的图景。

按照策展人何伊宁的话说,这些作品一方面旨在思考技术、数据与摄影的互动关系,另一方面希望提醒人们,在畅想未来时,需要谨慎对待图像带来的陷阱。

《洞见》版块的不少作品,都是利用数字技术通过描述一个虚拟场景或者未来世界,来反映现实中的问题。这种基于“超现实”的创作和传统摄影基于“实在”的创作,哪个才更代表影像艺术的发展趋势?

何伊宁:这个问题要放在不同的语境中看。当我们回看历史,我们仍然会觉得那些富有历史感的老照片非常有意义。影像博览会作为一个平台,会去做一些关于未来的探索,而画廊也会去做画廊该做的事情。

而且很难说,这些“超越性”的影像作品能够留存多长时间,未来的人们是否仍然会愿意去反复观看它们,这是一个考验。这些作品的重要性在于在它们在当下对未来的反思。

当越来越多的数字和媒介技术被应用于影像创作,最终作品所呈现出来的,究竟是越来越真实的世界?还是相反?

何伊宁:我觉得(作品)背后的逻辑是越来越真实的。以前很多东西是没有办法被拍出来的。如果你想找一个纪实摄影师去拍摄一个“算法”,他可能需要去拍摄海量的、复杂的图像才能展示,而现在用一个短短几分钟的视频,就能把艺术家想说的、想解释逻辑完整地表达出来。技术图像已经不是在揭示“视觉的”真实,而是在揭示世界的真实,展现世界的某些逻辑,这是一种突破。

这是不是意味着影像创作会出现一个分野:一方面拍照成了全民普及的行为,而另一方面,艺术家则开始向更专业、更深奥的领域去探索?

何伊宁:在这里展出的艺术创作者,大多都是科班出身的。他们在不断探索摄影的边界,这个创作是有技术门槛的,不是喜欢拍照就能做到的。

我并不是在输出压力,但摄影的分层化会越来越明显。今天的艺术家是在真正思考一些问题,并不是在做一些所谓“炫”的东西。

在您和艺术家的交流中,当他们把新技术应用在创作中时,您感觉他们对于未来的态度是乐观更多,还是悲观更多?

何伊宁:我觉得还是反思更多。很多作品都体现出了批判性,不光是对未来的,也有对当下一些问题的反应。

新媒体与影像装置艺术家、《格物》系列作者胡介鸣

同样作为博览会的公共项目,《焦点》版块将目光锁定于胡介鸣的作品《格物》系列。这次创作起源于在疫情让生活停摆、人人足不出户的日子里,艺术家对自家家居景物的观察与拍摄,并通过图像处理软件,对所记录的图像进行平面化和色彩纯化的处理,最终得出一组符号感鲜明的摄影作品。

《格物》系列的简介中提到,这是一次以“低技术”为特质的创作。但是在观看之后,感觉作品里仍然被加入了不少技术的元素。

胡介鸣:说没有技术,其实也有一点。因为疫情的原因,我很长时间都宅在家里,很多以往的技术都用不了了。我对着家里的景物不断观看,然后产生来了灵感。发现家里的很多物品、角落都变得很有意思,就对着它们拍。这是一种我从来没有尝试过的方式,一种反计划、反预设的方式。我并没有提前想好创作方案,就是随机看到了某个物品,或者某个时间的光线,就去拍了。用一种随遇而安的做法。

拍完之后就是第二步,对颜色做处理,这一步又把以前所掌握的一些技术给用上去了。所以这部分也不能说是无技术,但用的技术也不是特别复杂。

经过技术加工后的作品,与把原生的拍照结果放在那里,二者有什么不同?

胡介鸣:拍摄照片的时候,尽管你在拍摄过程中会有所考虑,但是那个范围还是比较窄的,观看者还是会被图片中的场景所左右,想象的空间就变少了。经过技术处理的图片,在处理过程中,就把很多想象加进去了,比如像中国画里的留白,画面就放飞了,想象的空间就出来了。

“超越现实”的摄影和“写实”的摄影之间,哪个更代表影像创作的未来趋势?

胡介鸣:如果从定义上来说,呈现具体的东西会更像一张“照片”。从发展上看,抽象的技术所带来的可能性会更大。

但两种方式是共存的,关键还是看作品的质量如何。写实也有写实的质量。一些新技术的表达,虽然有想象空间,但要是做的不好,也会变得空洞。

“超越性”的观看所呈现的是更真实的世界吗?

胡介鸣:我希望它是将“真实”递增到一个新的维度上去。至少我现在的作品是介乎于具象和抽象之间的。具象会带来一定的辨识度,在你想入非非的同时提供一个定位,并不会让想象漫无边际。

《曝光奖》得主、《散步模拟》的作者曹澍。

本届博览会所设立的《曝光奖》,致力于鼓励艺术家在观念、技术和方法等层面展开革新。此次获奖的艺术家曹澍的《散步模拟》是一个以电子游戏为媒介的作品:在一个渲染成的荒漠空间中,观众利用一个“拍照”按钮,寻找艺术家的家庭相册。对于这个作品的内涵,作者的解释是,试图探讨人类能否借助技术,“经由地理/空间的方式去理解历史/时间。”

《散步模拟》的灵感是怎么产生的?

曹澍:前几年做了不少3D影像试验,都是和记忆有关的。很多场景的模型已经做完了,然后突然有一天觉得可以用“游戏”语言来表达一下。

我觉得有些感受只有通过游戏才能表达出来。比如在一个沙盘式的空间里完成一些不同时间的定置。文字或者纪录片通常只能按照单一的时间线去讲述,而游戏的方式会更灵活、更自由。

《散步模拟》这个作品需要和观看者们进行互动。产生什么样的互动效果,是您的创作预期之一么?

曹澍:没有太考虑互动这方面,我主要是对游戏这种媒介机制和逻辑很感兴趣。比如置身于这种单一的、第一人称的视角环境中,去寻找、去迷路,这就是我追求的感受。

《散步模拟》所拍摄的对象已经不是一个现实空间,而是一个您创造出来的虚拟空间。这种“超现实”的体验,是为了让观看的感受更真实,还是更不真实?

曹澍:记忆会出错,但是纪录片则会更加如实地把现实记录下来,当然也和拍摄者的观点、所采取的视角或者剪辑有关系,但是有些事情一旦被拍摄下来,就成了一种“证据”。

我觉得我的作品并不是在描述“真实”,而是描述一些和记忆、感受有关的东西。这种体验更接近于那种永恒意义上的真实,是一种对于“真实”本身的体验。

在您的创作中,还存在技术层面的限制么?

曹澍:对技术的选择并不是说要更新或者更怎么样,我还是更关心技术是不是符合我正在关注的问题,或者说我所思考的问题是否和某种技术语言吻合。

在《散步模拟》中,您的问题是“用空间去理解时间”。

曹澍:在我过去的一些创作过程中,更多是先想到一些情节,然后再用蒙太奇等技术手段描述出来。而在游戏里,则完全是一种相反的方式,你先是描述了一个完整的世界本身--一个所有细节都存在的世界,然后把自己作为一个镜头丢在里面。比如玩《魂斗罗》游戏,你不会去想长镜头的问题,因为游戏本身就是一种长镜头,更接近于不剪辑的生活。我们现在所处的这个世界,就是一个连续性的镜头。我现在就是对游戏这种语言很感兴趣。


《散步模拟》作品截图,作者:曹澍

如果掌握了能让游戏图像更逼真的技术,您会让您塑造的世界看上去更写实吗?

曹澍:那不太会。因为那样的话视角就更单一化了。现在的游戏做的越来越写实,写实就会让大家都趋同化。但是如果回忆在游戏刚诞生的时候,对于一棵树的表达方式,每一家公司、每一个制作人都是不一样的。有的人用几根线来表达一棵树,有的则是用几个色块,每种树都是不同的表达方式,这种表达是很酷的。■


(注:本文仅代表作者个人观点。责编邮箱    info@or123.net)



  相关文章
读者评论
+

您可能感兴趣的资讯|社会与文化频道
MORE +